Na segunda metade de 2024, a banda Glass Animals, nomeada para os BRIT Awards, embarcou na sua digressão mundial «Tour Of The Earth». Em colaboração com o vocalista da banda, Dave Bayley, a digressão ganhou vida pelas mãos da equipa de cenografia Cassius Creative e do estúdio de conteúdos de vídeo Fray Studio.

O resultado foi uma estética «retro-futurista» ambiciosa e uma atmosfera sobrenatural, com um cenário composto por ecrãs e controlos sincronizados e uma enorme cromosfera inspirada em Moonraker, que se transforma em anéis planetários a meio do espetáculo. O próprio Dave Bayley passa a fazer parte da narrativa do espetáculo, utilizando uma plataforma elevatória suspensa para subir acima do palco, reforçando o tema galáctico.

Gentleman’s Journal conversou com a Cassius Creative e a Fray Studio para conhecer os bastidores de como a digressão ganhou vida.

A: Como surgiu esta colaboração com o Dave e os Glass Animals?

C: A Cassius trabalhou com os Glass Animals na última campanha da banda, Dreamland, e depois, na fase final da conceção de Dreamland, para o último espetáculo que fizeram, contratámos a Fray para criar alguns conteúdos de vídeo adicionais, portanto isso foi em 2022.

Quando surgiu esta nova campanha, voltaram a contactar-me para trabalhar com eles. O Dave trabalha de forma muito colaborativa. É provavelmente o mais visual de todos os clientes com quem já trabalhámos. Como já tínhamos uma relação, ele trazia-nos imensos painéis de inspiração, imagens e referências muito específicas, mas nunca se sabe bem onde tudo isso vai dar. E, sendo uma campanha com uma temática espacial, com aquele estilo retrofuturista, os conteúdos de vídeo teriam sempre um papel importante. Por isso, a Fray juntou-se ao projeto e ficou responsável pela componente visual. A partir daí, fomos desenvolvendo tudo praticamente em paralelo: o cenário, a iluminação e o vídeo foram ganhando forma em conjunto e com igual importância.

A: Qual foi a inspiração para o design deste conjunto específico de espetáculos ao vivo?

C: O álbum tem uma certa temática espacial. Quer dizer, o álbum chama-se I Love You so Fucking Much e isso pode ser dirigido a alguém em particular, mas também pode ter um sentido mais abrangente, como se falasse de toda a gente, do mundo e do que existe para além dele.

Portanto, sim, tem uma temática espacial vaga e é um pouco mais sombrio do que o álbum anterior, «Dreamland», que, em termos visuais, era mais claro, com mais tons pastel, quase um pouco mais acolhedor, mais celestial. E este novo álbum é mais sombrio, mais isolado, a música é mais expansiva, mas continua a ter um elemento de diversão. É aí que entra o elemento retro.

Havia imensas referências cenográficas à mistura, desde referências à série original de Star Trek até fotografias antigas das salas de controlo da NASA. E também referências ao design de produto, a Dieter Rams, àquele estilo de design de produto — arredondar os cantos, manter tudo bastante contido. O Dave tem um leque de referências tão vasto e eclético que nunca se sabe qual será o resultado final, mas todas estas coisas acabam por se fundir e daí nasce o design de produção global.

F: Sim, e comigo foi exatamente igual. No conteúdo de vídeo, há muita inspiração retirada de À Boleia pela Galáxia, tanto dos livros e do universo em geral, como também da série televisiva da BBC dos anos 70 e dos primeiros videojogos e gráficos de computador retro.

Estávamos a tentar encontrar uma linguagem visual que evocasse os anos 70 e 80, mas que fosse adequada a um público bastante jovem e a um público moderno, que não compreenderia necessariamente todas as referências dessas décadas. Ou seja, como é que se pegam em elementos novos e modernos e em interpretações contemporâneas desse período para criar algo que faça sentido?

A: Quando começou, tinha em mente algum ambiente específico que quisesse criar?

C: Sim, tinha de transmitir a sensação de um espaço vasto e sombrio. Há, por exemplo, um momento em que o Dave sobe na plataforma elevatória e fica simplesmente rodeado de estrelas. Mas também tem de ter um certo tom irónico. Algo que nos permita explorar ambientes sombrios e melancólicos, sem deixar de haver muita diversão.

F: E poder salpicar o espetáculo com easter eggs, referências a álbuns antigos e a espetáculos anteriores, introduzindo discretamente elementos que os fãs irão reconhecer.

A: Os Glass Animals têm uma base de fãs tão leal, por isso devem estar a tentar agradar-lhes, ao mesmo tempo que mantêm as coisas frescas?

F: Sim, há uma comunidade muito dedicada no Reddit que se envolveu mesmo, mesmo muito neste espetáculo. É sem dúvida aquele espetáculo em que tudo o que se põe no ecrã é, por assim dizer, analisado ao pormenor, quase como numa investigação forense, e o significado por detrás de tudo é assimilado.

A: Qual era a reação final que queria provocar no público?

C: Atuaram no Madison Square Garden e no Forum, em Los Angeles, e depois na O2, em Londres, por isso, de um ponto de vista puramente logístico, foram os maiores espetáculos da carreira da banda. Queríamos, sem dúvida, marcar uma posição, proporcionando-lhes a melhor produção que alguma vez tiveram. Mas também queríamos que fosse uma experiência bastante imersiva e que o público se sentisse transportado. Os Glass Animals querem sempre construir mundos; são uma banda muito orientada por conceitos. Por isso, penso que queriam criar este novo mundo e levar o público numa estranha viagem ao espaço.

A: Como geriram essa tensão entre serem ambiciosos e manterem-se realistas e pragmáticos?

C: É preciso, de certa forma, pôr tudo em cima da mesa. Por exemplo, toda a estrutura de iluminação no teto não é apenas um conjunto de luzes montadas em peças de metal, como nos espetáculos habituais; é um grande elemento cenográfico, um enorme teto geométrico. E, obviamente, construí-lo custa muito dinheiro, ocupa muito espaço, exige muito tempo e muitas pessoas para o montar, além de ser pesado. Mas, se apresentarmos a ideia da forma certa e percebermos que esse é, de certa forma, o elemento visual fundamental do espetáculo, a banda mostra-se recetiva. Portanto, trata-se de garantir que causamos a melhor impressão da forma certa e que gastamos o dinheiro de forma sensata. Mantendo sempre os pés assentes na terra.

F: Do ponto de vista do vídeo, são provavelmente a única banda — sobretudo o Dave — aberta a qualquer ideia aleatória da qual a maioria das pessoas fugiria. Podemos mencionar algo como a remoção do fundo em vídeo, uma ferramenta que utilizamos para recortar pessoas, em tempo real, de imagens de câmaras em direto, de modo a podermos substituir o fundo — não é algo que as pessoas queiram necessariamente utilizar num espetáculo, porque ainda é bastante experimental —, mas é o tipo de coisa de que se fala ao Dave e, da próxima vez que conversamos com ele, já sabe mais sobre o assunto do que nós, porque foi pesquisar, leu tudo o que conseguiu encontrar e regressa com as suas próprias ideias, baseadas no que descobriu. Portanto, nesse sentido, é bastante libertador podermos fazer essas experiências quase técnicas e criativas e ver o que funciona e o que não funciona.

C: A banda domina extremamente bem a tecnologia.

F: Grande parte dos conteúdos de vídeo é controlada diretamente por eles, porque cada instrumento em palco e cada botão ou bombo gera notas MIDI que controlam diretamente o que acontece no ecrã. Portanto, se deixassem de tocar, em alguns casos os conteúdos simplesmente parariam, porque dependemos inteiramente do que fazem em palco para controlar os conteúdos de vídeo que são reproduzidos em tempo real.

A: Trabalhar dessa forma acrescenta algum elemento de risco?

F: É, sem dúvida, uma forma diferente de trabalhar, porque, em algumas digressões, entregávamos apenas 24 ficheiros e havia uma única faixa por música, ao passo que este espetáculo tinha 23 ecrãs diferentes em palco e cada música tinha de ser dividida em várias partes. Portanto, o espetáculo é composto por uns 3 000 ou 4 000 ficheiros de vídeo. Depois, basta voltar a juntá-los cuidadosamente e acioná-los manualmente.

A: Quais foram os principais desafios que encontrou ao longo do caminho?

C: Refiro-me aos grandes desafios: tempo e dinheiro. O tempo era bastante limitado. Tínhamos de ensaiar no Reino Unido e depois enviar tudo para os Estados Unidos, por isso os prazos ficaram mesmo muito apertados, sobretudo tendo em conta a quantidade de coisas que era preciso construir fisicamente — há muitos elementos cenográficos, todos com imensos pormenores —, os interruptores e os botões são todos verdadeiros, e tudo isso tem de ser instalado e fabricado.

F: Temos uma equipa de 11 pessoas a trabalhar na animação e na criação do espetáculo, e um dos grandes desafios em todos os espetáculos, sobretudo neste, é encontrar uma linguagem visual unificada que todos compreendam e segundo a qual todos consigam trabalhar. Assim, no final, parece que o espetáculo saiu da mente de uma só pessoa, em vez das mentes de 11 pessoas diferentes. E, neste espetáculo em particular, foi bastante desafiante, porque tínhamos na equipa algumas pessoas muito jovens e outras bastante mais velhas, que viveram efetivamente os anos 70 e 80. Por isso, estas traziam um conjunto de referências — referências reais —, enquanto as mais jovens traziam uma visão dos anos 80 quase imaginada. E foi interessante perceber como combinar estes dois universos de conhecimento e fundi-los num só, que acabou por ser uma versão recriada dos anos 70 e 80.

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