Samuel Ross m’affirme qu’« il n’existe aucun autre outil social aussi démocratique que la mode ». Voilà une déclaration étonnante de la part d’un acteur du secteur du luxe, compte tenu des prix élevés et de l’exclusivité intrinsèque associés à la haute couture. Mais pour ce créateur et artiste aux multiples talents, la mode est un moyen grâce auquel « les gens vous voient au-delà de votre situation immédiate. C’est presque comme si vous pouviez vous projeter dans l’avenir. »

Lorsqu’il était étudiant à l’université, Ross a consacré son mémoire de fin d’études au « pouvoir du costume deux ou trois pièces au cœur du mouvement des droits civiques, notamment en lien avec la Nation of Islam et Malcolm X ». Il explique comment celles et ceux qui aspirent au changement, qu’il soit personnel ou systémique, se sont servis de la mode pour « puiser instantanément dans des codes et des appellations ancestrales ». Il s’agit moins d’afficher le prix d’un vêtement que de l’utiliser comme moyen de communication et, en particulier dans le contexte britannique, de naviguer entre les différentes classes sociales. « C’est là tout le pouvoir libérateur et émancipateur du vêtement, dit-il : l’image du costume ou celle du survêtement… On se présente au monde sans craindre le jugement. Ou pour être jugé. »

Nous réfléchissons à la classe sociale et aux aspirations à travers le prisme de la mode parce que, deux soirs avant notre rencontre aux Peninsula Residences à Londres, Ross avait regardé un documentaire en quatre parties datant de 1998 sur la génération Windrush, disponible sur BBC iPlayer. Il vit dans le Northamptonshire avec sa femme et leurs deux filles, non loin de l’endroit où il a grandi auprès de ses parents caribéens, tous deux enseignants, après avoir séjourné à Saint-Vincent et à la Barbade. Il évoque ses grands-parents, qui auraient fait partie de la génération qu’il a vue dans le documentaire. « Cette génération, ces matriarches et ces patriarches sont arrivés en tant que… si je devais les ranger dans une catégorie politique, je dirais que la majorité étaient des capitalistes libéraux, avec une vision du monde relativement conservatrice. C’est pour cela qu’ils sont venus en Angleterre vêtus de costumes de la tête aux pieds, pour apprendre un métier, engranger des bénéfices, puis soit rester, soit rentrer chez eux. »

« Je vois la confection et le costume pour ce qu’ils sont : une formidable mise en scène. »

That’s just one of the political reflections Ross makes during our conversation, which is regularly inflected with observations about business and capital and government and ideology. Thinking about the world through a precise economic framework is something which was entrenched through his upbringing. He considers himself more of a “centrist,” but his father was a self-described “anarchist”, or, to Ross, a“socialist” who worked as a stain glass procurer restoring church windows. “He doesn’t have any interest in fiscal returns or growth or bonds or gilts. That’s not where his mind is.” Ross and his father would bond over building pinhole cameras from scratch, and when he felt that he might pursue computing or engineering, they would build computers together and attend computer fairs. “We would discuss broader ideas of politics, belonging, race and religion. He’s a seminal pillar in my life.”

Bien qu’il ait grandi dans une famille de gauche, il estime que son enfance l’a poussé à rechercher le profit. Il explique que grandir entre la Grande-Bretagne et les Caraïbes présentait des avantages « fantastiques », mais qu’il vivait dans une pauvreté relative et qu’il a donc fait certains choix afin d’« atténuer les difficultés financières du foyer ». C’est principalement ce qui l’a incité à s’orienter vers le design — une voie offrant des débouchés professionnels clairs, plutôt que vers une discipline plus spécialisée comme les beaux-arts. C’est aussi pourquoi sa pratique s’est étendue, entre autres domaines, à la mode, au design industriel, aux décors de production et à l’art. « J’ai toujours éprouvé cette réticence à m’investir pleinement dans une seule discipline, ce qui trouve probablement son origine dans la peur de la pauvreté. »

Ross, 34 ans, a fait ses débuts dans le secteur dans des circonstances sans doute parmi les plus rares qui soient : à 20 ans, il est devenu le tout premier stagiaire de feu Virgil Abloh, travaillant sur la marque qui allait devenir Off-White. « Tout a commencé de manière très formelle. Il avait besoin d’un assistant en design, et j’ai réussi à attirer son attention. » Abloh avait été nommé directeur artistique de l’album DONDA de Kanye West et avait recruté Ross. « Nous nous sommes mis à travailler 24 heures sur 24, 7 jours sur 7. Kanye est aujourd’hui un paria, ce qui rend les choses étranges, mais il a joué un rôle immense. Sans superstar d’envergure mondiale, il n’y a pas de mécène pour les arts noirs. C’était notre famille Médicis, et cette période a permis à ces perspectives culturelles noires, diasporiques et de troisième vague d’exister, de se commercialiser et de générer des bénéfices. »

Trois ans et demi plus tard, Ross est parti fonder la marque de vêtements de sport de luxe A-COLD-WALL*, car il souhaitait créer quelque chose qui corresponde précisément à sa réalité. « Je voyais qu’un récit afro-américain très clair s’exprimait dans l’habillement, la culture et le sport, mais qu’il n’existait aucun équivalent au Royaume-Uni. Au fond, je ne pouvais m’appuyer que sur ce que j’apercevais depuis la fenêtre de ma chambre d’enfant, et c’est devenu la palette, les silhouettes, les formes et les références d’ACW. » Cette vision de la marque a manifestement trouvé un large écho — et rencontré un succès phénoménal. Il a remporté plusieurs distinctions — notamment le Hublot Design Prize et le British Fashion Award du créateur émergent de mode masculine — et décroché des collaborations très convoitées avec Nike et Oakley. Ses créations ont également intégré les collections permanentes du Victoria & Albert Museum et du Metropolitan Museum of Art, et il a été nommé membre de l’ordre de l’Empire britannique pour sa contribution à la mode. En 2019, il a fondé SR_A SR_A, un studio de design industriel que son site Internet décrit comme « une exploration continue de l’embellissement industriel, guidé par l’artisanat, de vêtements, d’objets et d’espaces précieux ». Il s’agissait en grande partie de sa réponse aux modèles tarifaires et à la surproduction qu’il jugeait endémiques dans le secteur du luxe. En 2023, il a vendu sa participation majoritaire dans ACW et quitté ses fonctions de président du conseil d’administration.

In 2020, Ross launched the Black British Artists Grant for Black British artists and other artists of colour. After engineering A-COLD-WALL* as a profitable company “which was built off the back of the cadences of modern society… the right thing to do was to make sure there was a silo of remuneration, back to the people that saw the narrative.” He asserts, though, that this is less about reciprocity, and more about ensuring that resources are “equally dispersed where possible.” After the first year of the profits being taken from ACW to fund BBAG, he decided to move it over to SR_A, which is completely independent. “We’ve continued to fund the same amount since then, and we’ve brought on partners such as Apple and Sotheby’s to assist with expanding the pool of finances.”

L’une des sources d’inspiration du Black British Artists Grant avait été le mouvement artistique noir britannique des années 1980, dont sont issus des artistes tels que Lubaina Himid, Sonia Boyce et Donald Rodney, ainsi que le sentiment de Ross que ces mouvements et ces figures n’avaient souvent pas « bénéficié d’une documentation suffisante pour être reconnus par l’histoire ». Il « voulait donc constituer un répertoire afin que le public puisse découvrir les acteurs du secteur des arts libéraux ou des arts appliqués ». La liste des bénéficiaires de la bourse se lit ainsi comme une première ébauche de la nouvelle génération de grands artistes : Rhea Dillon, dont l’exposition de 2023 à la Tate Britain a bénéficié du soutien de la bourse ; Nifemi Marcus-Bello, dont les œuvres ont notamment été acquises par le Design Museum de Londres et le Museum of Modern Art de New York ; ou encore Mac Collins, sculpteur et designer établi à Nottingham. « Nous avons pu lui accorder un financement, ce qui a permis à Mac d’être sélectionné, puis de remporter le prix de design Ralph Saltzman au Design Museum », explique Ross.

But it’s not only the conventional artists and creatives who have been funded through the grant. Ross gushes about a gentleman named Rizzy. “We don’t even know his government name! But he’s based in Leyton and ran a barbershop for years, and we helped him with funding.” The idea, then — and a benefit of delivering grants through private capital rather than government — is that beneficiaries can participate without the strings and checks to assess the “worthiness” of subsidiary funding. “If we believed in the individual, or the cause underpinning what the individual is producing, we would fund it. Which meant that, as soon as the shortlist came about, I would sit on my laptop and just transfer all the funds. There's no third party in between.”

Au cours de notre conversation, je m’interromps pour faire remarquer à Ross ses chaussures — une magnifique paire de baskets couleur fauve. Il m’explique qu’elles sont issues de sa première collaboration SR_A avec Zara, lancée l’année dernière. Il me détaille leur conception : « Du cuir japonais au tannage végétal, avec de petits motifs estampés en creux sur toute la surface. Bien sûr, on retrouve les formes et les lignes asymétriques et architecturales emblématiques que je développe depuis des années. »

La deuxième saison de la collection avec Zara est sortie en octobre dernier — et, pour Ross, cette collaboration est l’un des moyens par lesquels il espère permettre à d’autres d’utiliser la mode comme vecteur de mobilité sociale. « Nous pouvons employer les matériaux les plus nobles et démocratiser les prix sans sacrifier le moindre détail. » Cela illustre l’étendue de la pratique et du rayonnement de Ross : il y a les montres qu’il a créées avec Hublot, dont le prix de vente peut, selon lui, atteindre 430 000 £, puis les projets menés avec Inditex, la maison mère de Zara, qui l’aident à « proposer une vision de l’avenir où le goût, la sensibilité et la qualité de fabrication priment sur le prix ».

Cette diversification est également liée à ce que Ross annonce comme « l’effondrement du secteur du luxe discrétionnaire », un phénomène qui, selon lui, s’est accéléré au cours des quatre dernières années. (Les prévisions se sont certes révélées difficiles, mais personne ne peut lire l’avenir, et LVMH a récemment annoncé un retour à la croissance.) Il explique que la vente d’ACW a été en partie orchestrée parce qu’il « voyait bien que l’avenir ne résiderait pas dans des produits discrétionnaires dont les prix seraient gonflés sans qu’ils aient une utilité concrète et profondément ancrée dans la société. Lorsque l’économie est en berne et que l’inflation est élevée, il faut réfléchir beaucoup plus attentivement à ce dont le monde a réellement besoin. » C’est pourquoi il a toujours défendu avec tant de passion les vêtements de sport et de loisirs — et de fait, outre ses superbes baskets, il porte également un élégant survêtement gris chiné (même si sa femme lui dit qu’il « a l’air d’être en prison »). « Le basket-ball, le football ou les loisirs permettent de raconter des histoires intergénérationnelles, car ils sont plus profondément enracinés dans l’expérience humaine et en constituent un principe fondamental. »

« Lorsque l’économie est en berne et que l’inflation est élevée, il faut réfléchir beaucoup plus attentivement à ce dont le monde a réellement besoin. »

Ce qui transparaît dans le travail de Ross comme dans sa consommation personnelle, c’est une profonde appréciation de l’artisanat. Dans sa maison et son atelier du Northamptonshire se trouvent des bronzes du Bénin et d’autres sculptures d’Afrique de l’Ouest qu’il collectionne depuis des années. On y trouve également d’anciens bancs d’église provenant du Lincolnshire, du Bedfordshire et du Northamptonshire, « ces incroyables œuvres d’art populaire façonnées à la main » dont, selon lui, « les Britanniques se sont débarrassés ». Ce goût et cet intérêt pour les formes et les techniques influencent bien sûr les endroits où il achète ses vêtements. Il fréquente Drake’s, sur Savile Row, notamment pour ses « costumes déstructurés en sergé », et fait également appel à un tailleur spécialisé du nord de Londres, qu’il appelle simplement « Peter », pour lui confectionner des vêtements. À l’image de ses ancêtres caribéens, qui portaient le costume dans l’espoir de gravir l’échelle sociale, Ross déclare sans détour : « Je considère la confection et le port du costume pour ce qu’ils sont : une formidable mise en scène. » À l’autre extrémité du spectre, il y a les survêtements et les tenues plus sportives, dans lesquels il « se sent le plus serein et le plus à l’aise ».

Quelle est la prochaine étape pour Ross ? Mettre résolument l’accent sur des « vêtements démocratiques » plutôt que sur le luxe superflu, développer la vente directe aux consommateurs par l’intermédiaire de SR_A et poursuivre le Black British Artists Grant, qui annoncera bientôt sa sixième vague de financement. Le travail de Ross est guidé par un principe utilitariste clair : l’idée d’un véritable accès de toutes et tous à tout. « Je voudrais veiller à ce que le programme ne devienne pas trop élitiste. Je veux aller à la rencontre des communautés locales et financer des équipes sportives ou des possibilités d’études supérieures. Parfois, il faut prendre l’initiative de distribuer les fonds, plutôt que d’attendre simplement que les gens viennent à vous. »

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