Samuel Ross erklärt mir: „Es gibt kein anderes gesellschaftliches Instrument, das so demokratisch ist wie die Mode.“ Eine bemerkenswerte Aussage für jemanden aus dem Luxussegment, wenn man bedenkt, dass Haute Couture mit hohen Preisen und fest verankerter Exklusivität verbunden ist. Doch für den vielseitig begabten Designer und Künstler ist Mode ein Mittel, durch das „die Menschen mehr in einem sehen als nur die unmittelbaren Lebensumstände. Es ist fast so, als könne man ein Bild von sich in die Zukunft projizieren.“

Als Ross Student war, schrieb er seine Abschlussarbeit über „die Macht des zwei- bis dreiteiligen Anzugs inmitten der Bürgerrechtsbewegung, insbesondere im Hinblick auf die Nation of Islam und Malcolm X“. Er spricht darüber, wie Menschen, die nach Veränderung streben – sei es auf persönlicher oder systemischer Ebene –, Mode genutzt haben, um „augenblicklich auf uralte Signale und Bezeichnungen zurückzugreifen“. Dabei geht es weniger darum, Wohlstand zu signalisieren, sondern vielmehr um Kleidung als Kommunikationsmittel und – insbesondere im britischen Kontext – darum, wie wir uns durch verschiedene Klassensysteme bewegen können. „Darin liegt das Befreiende und die Freiheit, die Kleidung bietet“, sagt er. „Das Sinnbild des Anzugs oder das Sinnbild des Trainingsanzugs … Man präsentiert sich der Welt, frei von Beurteilung. Oder zur Beurteilung.“

Wir denken über soziale Klasse und Aufstiegsstreben im Spiegel der Mode nach, weil Ross zwei Abende vor unserem Treffen in den Peninsula Residences in London eine vierteilige Dokumentation aus dem Jahr 1998 über die Windrush-Generation auf BBC iPlayer gesehen hatte. Er lebt mit seiner Frau und seinen beiden Töchtern in Northamptonshire, unweit des Ortes, an dem er nach Aufenthalten in St. Vincent und Barbados als Kind von seinen karibischen Eltern, die beide im Bildungswesen tätig waren, aufgezogen wurde. Er spricht über seine Großeltern, die zu jener Gruppe gehört hätten, die er in der Dokumentation sah. „Diese Generation, die Matriarchinnen und Patriarchen, kam als … wenn ich sie einer politischen Klasse zuordnen müsste, würde ich sagen, dass die Mehrheit liberale Kapitalisten waren, die eine relativ konservative Sicht auf die Welt hatten. Deshalb kamen sie von Kopf bis Fuß in Anzüge gekleidet nach England, um einen Beruf zu erlernen, Gewinne zu erwirtschaften und entweder zu bleiben oder in die Heimat zurückzukehren.“

„Ich sehe Schneiderkunst und Anzüge als das, was sie sind: eine großartige Inszenierung.“

Das ist nur eine der politischen Überlegungen, die Ross im Laufe unseres Gesprächs anstellt, das immer wieder von Beobachtungen über Wirtschaft und Kapital, Regierung und Ideologie geprägt ist. Die Welt durch einen präzisen ökonomischen Bezugsrahmen zu betrachten, wurde ihm durch seine Erziehung tief eingeprägt. Er selbst sieht sich eher als „Zentrist“, doch sein Vater bezeichnete sich als „Anarchist“ – oder, wie Ross es ausdrückt, als „Sozialist“ – und beschaffte Buntglas für die Restaurierung von Kirchenfenstern. „Finanzielle Renditen oder Wachstum, Anleihen oder britische Staatsanleihen interessieren ihn überhaupt nicht. So denkt er einfach nicht.“ Ross und sein Vater fanden über den gemeinsamen Bau von Lochkameras von Grund auf zueinander. Als Ross erwog, sich der Informatik oder dem Ingenieurwesen zuzuwenden, bauten sie gemeinsam Computer und besuchten Computermessen. „Wir sprachen über umfassendere Fragen zu Politik, Zugehörigkeit, ethnischer Herkunft und Religion. Er ist eine tragende Säule in meinem Leben.“

Obwohl er in einer linken Familie aufwuchs, glaubt er, dass seine Kindheit ihn dazu brachte, nach finanziellem Erfolg zu streben. Die Vorzüge einer Kindheit, die er teils in Großbritannien, teils in der Karibik verbrachte, seien „fantastisch“ gewesen, sagt er. Allerdings habe er in relativer Armut gelebt und deshalb Entscheidungen getroffen, um „die finanziellen Schwierigkeiten im Haushalt zu lindern“. Das war der Hauptgrund dafür, dass er sich für Design entschied – einen Bereich mit einem klaren Berufsweg statt einer stärker auf eine einzelne Disziplin ausgerichteten Laufbahn wie der bildenden Kunst. Das erklärt auch, warum sich seine Arbeit unter anderem auf Mode, Industriedesign, Szenenbild und Kunst erstreckt. „Da war schon immer diese Abneigung dagegen, sich vollständig einer bestimmten Disziplin zu verschreiben, die wahrscheinlich in der Angst vor Armut wurzelt.“

Ross, 34, fand über eine der wohl ungewöhnlichsten Einstiegspositionen Zugang zur Branche: Mit 20 Jahren wurde er der allererste Praktikant des verstorbenen Virgil Abloh und arbeitete an der Marke mit, aus der später Off-White werden sollte. „Es begann ganz förmlich. Er brauchte einen Designassistenten, und es gelang mir, seine Aufmerksamkeit zu gewinnen.“ Abloh war zum Kreativdirektor von Kanye Wests Album DONDA ernannt worden und holte Ross ins Team. „Wir arbeiteten fortan rund um die Uhr. Kanye ist heute eine Persona non grata, was die Sache seltsam macht, aber er spielte dabei eine enorm wichtige Rolle. Ohne einen Superstar von globalem Format gibt es keinen Mäzen für Schwarze Kunst. Er war unsere Medici-Familie, und diese Zeit ermöglichte es Schwarzen, diasporischen Kulturperspektiven der dritten Welle, sich zu entfalten, kommerziell erfolgreich zu werden und Gewinne zu erzielen.“

Dreieinhalb Jahre später ging Ross, um die Luxus-Sportswear-Marke A-COLD-WALL* zu gründen, da er etwas schaffen wollte, das seiner eigenen Lebenswirklichkeit entsprach. „Ich sah, dass in Mode, Kultur und Sport ein ganz klares afroamerikanisches Narrativ vermittelt wurde, aber im Vereinigten Königreich gab es nichts Vergleichbares. Im Grunde konnte ich mich nur auf das stützen, was ich vom Fenster meines Kinderzimmers aus sah, und daraus entstanden die Farbpalette, die Silhouetten, die Formen und die Referenzen für ACW.“ Diese Vision für das Label fand offensichtlich großen Anklang – es wurde ein überwältigender Erfolg. Er gewann Auszeichnungen – darunter den Hublot Design Prize und den British Fashion Award for Emerging Menswear Designer – und sicherte sich begehrte Kooperationen mit Nike und Oakley. Zudem wurden seine Arbeiten in die Dauersammlungen des Victoria & Albert Museum und des Metropolitan Museum of Art aufgenommen, und für seine Verdienste um die Mode wurde er zum MBE ernannt. 2019 gründete er SR_A SR_A, ein Studio für Industriedesign, das auf seiner Website als „fortlaufende Erforschung der handwerklich geprägten, industriellen Veredelung kostbarer Kleidungsstücke, Objekte und Räume“ beschrieben wird. Es war vor allem seine Antwort auf Preismodelle und Überproduktion, die seiner Ansicht nach im Luxussektor weitverbreitet waren. 2023 verkaufte er seine Mehrheitsbeteiligung an ACW und trat als Vorstandsvorsitzender zurück.

Im Jahr 2020 rief Ross den Black British Artists Grant ins Leben, der sich an Schwarze britische Kunstschaffende und andere Kunstschaffende of Colour richtet. Nachdem er A-COLD-WALL* zu einem profitablen Unternehmen aufgebaut hatte, „das auf den Rhythmen der modernen Gesellschaft fußte … war es nur richtig, dafür zu sorgen, dass ein eigener Vergütungstopf eingerichtet wurde, der den Menschen zugutekam, die sich in diesem Narrativ wiederfanden.“ Dabei gehe es, wie er betont, weniger um Gegenseitigkeit als vielmehr darum, sicherzustellen, dass Ressourcen „wo immer möglich gleichmäßig verteilt werden“. Nachdem BBAG im ersten Jahr aus den Gewinnen von ACW finanziert worden war, beschloss er, die Finanzierung auf das vollkommen unabhängige SR_A zu übertragen. „Seitdem stellen wir weiterhin denselben Betrag bereit und haben Partner wie Apple und Sotheby’s gewonnen, die uns dabei unterstützen, den Finanzierungspool zu vergrößern.“

Eine Inspirationsquelle für den Black British Artists Grant war die britische Black-Arts-Bewegung der 1980er-Jahre, aus der Künstlerinnen und Künstler wie Lubaina Himid, Sonia Boyce und Donald Rodney hervorgingen. Hinzu kam Ross’ Eindruck, dass diese Bewegungen und Persönlichkeiten oft nicht „in dem Maße dokumentiert wurden, wie es für ihre historische Würdigung nötig gewesen wäre“. Daher wollte er „ein Verzeichnis erstellen, damit die Öffentlichkeit sehen kann, wer im Bereich der freien oder angewandten Künste tätig ist“. So liest sich die Liste der bisherigen Stipendiatinnen und Stipendiaten wie ein erster Entwurf für eine neue Generation herausragender Talente: die Künstlerin Rhea Dillon, deren Ausstellung 2023 in der Tate Britain durch das Stipendium unterstützt wurde; Nifemi Marcus-Bello, dessen Werke unter anderem vom Design Museum in London und vom Museum of Modern Art in New York angekauft wurden; sowie der in Nottingham ansässige Bildhauer und Designer Mac Collins. „Wir konnten Fördermittel vergeben, was dazu führte, dass Mac berücksichtigt wurde und den Ralph Saltzman Design Award des Design Museum gewann“, sagt Ross.

Doch nicht nur konventionelle Künstler und Kreative wurden durch das Stipendium gefördert. Ross schwärmt von einem Mann namens Rizzy. „Wir kennen nicht einmal seinen amtlichen Namen! Aber er lebt in Leyton, hat dort jahrelang einen Friseursalon betrieben, und wir haben ihn finanziell unterstützt.“ Die Idee dahinter – und ein Vorteil davon, Fördermittel über privates Kapital statt über den Staat bereitzustellen – ist, dass die Begünstigten ohne Auflagen und Prüfungen zur Beurteilung ihrer „Förderwürdigkeit“ teilnehmen können. „Wenn wir an die Person oder an das Anliegen hinter dem glaubten, was sie hervorbrachte, haben wir es finanziert. Das bedeutete: Sobald die engere Auswahl feststand, setzte ich mich an meinen Laptop und überwies einfach sämtliche Gelder. Es gab keine dritte Partei dazwischen.“

As we speak, I pause to remark on Ross’s footwear — a magnificent tan pair of trainers, and he tells me that they’re from his first SR_A collaboration with Zara, which debuted last year. He talks me through the design, “Japanese vegetable-tanned leather, small debossing throughout. Obviously, you’ve got the classic asymmetric and architectural designs and lines that I’ve been developing for years.”

Die zweite Saison der Kollektion mit Zara erschien im Oktober dieses Jahres – und für Ross ist diese Partnerschaft eine Möglichkeit, anderen den sozialen Aufstieg mithilfe von Mode zu ermöglichen. „Wir können die hochwertigsten Materialien verwenden und den Preis erschwinglich machen, ohne bei den Details Abstriche zu machen.“ Das verdeutlicht die Bandbreite von Ross’ Schaffen und Wirkungskreis: Da sind einerseits die Uhren, die er mit Hublot herausgebracht hat und die ihm zufolge bis zu 430.000 £ kosten können, und andererseits die Projekte mit Inditex, dem Mutterkonzern von Zara, die ihm dabei helfen, „eine Zukunftsvision zu entwerfen, in der Geschmack, Gespür und Verarbeitungsqualität wichtiger sind als der Preis“.

Ein Teil dieser Diversifizierung hängt auch mit dem zusammen, was Ross als „Zusammenbruch des Luxussegments für nicht lebensnotwendige Güter“ prognostiziert und der sich seiner Ansicht nach in den vergangenen vier Jahren beschleunigt hat. (Prognosen waren in der Tat schwierig, doch niemand kann die Zukunft vorhersagen, und LVMH hat kürzlich die Rückkehr zum Wachstum verkündet.) Er sagt, der Verkauf von ACW sei zum Teil deshalb so eingefädelt worden, weil er „absehen konnte, dass es in Zukunft nicht mehr darum gehen würde, die Preise nicht lebensnotwendiger Güter aufzublähen, ohne dass diese einen tief verankerten, funktionalen Nutzen für die Gesellschaft haben. Wenn die Wirtschaft schwächelt und die Inflation hoch ist, muss man sehr viel genauer darüber nachdenken, was die Welt tatsächlich braucht.“ Deshalb setzt er sich seit jeher so leidenschaftlich für Sport- und Freizeitbekleidung ein – und tatsächlich trägt er zu seinen hervorragenden Sneakern auch einen attraktiven, melierten grauen Trainingsanzug (obwohl seine Frau ihm sagt, er sehe aus, „als säße er im Knast“). „Rund um Basketball, Fußball oder Freizeit lassen sich generationenübergreifende Geschichten erzählen, weil sie tiefer in der menschlichen Erfahrung verwurzelt und fester Bestandteil davon sind.“

„Wenn die Wirtschaft schwächelt und die Inflation hoch ist, muss man viel genauer darüber nachdenken, was die Welt wirklich braucht.“

Was sich durch Ross’ Arbeit und seinen persönlichen Konsum zieht, ist eine tiefe Wertschätzung für das Handwerk. In seinem Haus und Atelier in Northamptonshire befinden sich Benin-Bronzen und andere westafrikanische Skulpturen, die er seit Jahren sammelt. Dort stehen auch antike Kirchenbänke, die er in Lincolnshire, Bedfordshire und Northamptonshire aufgetrieben hat und von denen er sagt, „die Briten haben sie ausrangiert … diese erstaunlichen, kunstvoll gefertigten Werke der Volkskunst“. Dieser Geschmack und sein Interesse an Form und Technik beeinflussen natürlich auch, wo er seine Kleidung kauft. Er besucht regelmäßig Drake’s in der Savile Row und verweist auf die „dekonstruierten Twill-Anzüge“, die er dort bekommt. Außerdem hat er einen spezialisierten Schneider in Nordlondon, den er schlicht „Peter“ nennt und der Kleidung für ihn anfertigt. Wie seine karibischen Vorfahren, die sich elegant kleideten, um gesellschaftlich aufzusteigen, sagt Ross ganz unverblümt: „Ich sehe Schneiderkunst und Anzüge als das, was sie sind: eine großartige Inszenierung.“ Am anderen Ende des Spektrums stehen Trainingsanzüge und sportlichere Kleidung, in denen er sich „am entspanntesten und wohlsten fühlt“.

Wie geht es für Ross weiter? Im Mittelpunkt stehen „demokratische Kleidung“ statt verzichtbarer Luxus, das Direktkundengeschäft über SR_A und die Fortführung des Black British Artists Grant, dessen sechste Förderrunde in Kürze bekannt gegeben wird. Ross’ Arbeit folgt einem klaren utilitaristischen Prinzip: der Idee, allen Menschen echten Zugang zu allem zu ermöglichen. „Ich möchte sicherstellen, dass das Programm nicht zu elitär wird. Ich möchte in lokale Gemeinschaften gehen und Sportmannschaften unterstützen oder Fördermittel für Hochschulbildung bereitstellen. Manchmal muss man die Mittel aktiv verteilen, statt nur darauf zu warten, dass die Menschen auf einen zukommen.“

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