Nella seconda metà del 2024, i Glass Animals, band candidata ai BRIT Awards, hanno intrapreso il loro tour mondiale «Tour Of The Earth». Il tour ha preso vita grazie alla collaborazione tra il frontman della band, Dave Bayley, lo studio di scenografia Cassius Creative e lo studio di progettazione di contenuti video Fray Studio.

Il risultato è stato un’ambiziosa estetica «retro-futuristica» e un’atmosfera ultraterrena, con una scenografia dotata di schermi e comandi sincronizzati e un’enorme cromosfera ispirata a Moonraker che, a metà spettacolo, si trasforma in anelli planetari. Lo stesso Dave Bayley entra a far parte della narrazione dello show, utilizzando una piattaforma elevatrice sospesa per innalzarsi sopra il palco e accentuare il tema galattico.

Gentleman’s Journal ha incontrato Cassius Creative e Fray Studio per scoprire dietro le quinte come è stato realizzato il tour.

A: Com'è nata questa collaborazione con Dave e i Glass Animals?

C: Cassius ha lavorato con i Glass Animals alla loro ultima campagna, Dreamland, e poi, nelle fasi finali della progettazione di Dreamland, per l'ultimo spettacolo che hanno fatto, abbiamo coinvolto Fray per realizzare alcuni contenuti video aggiuntivi, quindi parliamo del 2022.

Quando è arrivata questa nuova campagna, mi hanno ricontattato per lavorare con loro. Dave ha un approccio molto collaborativo. Probabilmente è il più visivo tra tutti i clienti con cui abbiamo lavorato. Avevamo quindi già un rapporto consolidato e lui si presentava da noi con moltissime moodboard, immagini e riferimenti molto specifici, ma non si sa mai davvero dove si andrà a finire. E dato il tema spaziale, con quell'estetica retrofuturista, i contenuti video avrebbero inevitabilmente avuto un ruolo importante. Così Fray è entrato nel progetto e si è occupato della parte visiva. Da lì abbiamo sviluppato tutto quasi in parallelo: scenografia, illuminazione e video hanno preso forma insieme, con la stessa importanza.

A: Qual è stata l'ispirazione progettuale alla base di questa particolare serie di spettacoli dal vivo?

C: L’album ha un po’ un tema spaziale. Voglio dire, l’album si intitola I Love You so Fucking Much e potrebbe essere rivolto a una persona in particolare, ma potrebbe anche avere un significato più ampio, come se parlasse di tutti, del mondo e di ciò che c’è oltre.

Quindi sì, ha un vago tema spaziale ed è un po’ più cupo del loro album precedente, Dreamland, che dal punto di vista visivo era più luminoso, con più tonalità pastello, quasi un po’ più accogliente, più etereo. Questo nuovo album, invece, è più cupo, più isolato; la musica ha un respiro più ampio, ma conserva comunque un elemento di divertimento. Ed è qui che entra in gioco l’elemento rétro.

Sono stati presi in considerazione molti riferimenti scenografici, che si trattasse di vecchi riferimenti alla serie originale di Star Trek o di vecchie foto delle sale di controllo della NASA. E poi si è passati al design di prodotto, a Dieter Rams, a quello stile di design – arrotondare gli angoli, mantenere tutto piuttosto essenziale. Dave ha una gamma di riferimenti talmente ampia ed eclettica che non sai mai quale sarà il risultato finale, ma tutti questi elementi finiscono per fondersi insieme, dando vita alla scenografia complessiva.

F: Sì, e per me è stato decisamente lo stesso. Per i contenuti video ci siamo ispirati molto a Guida galattica per gli autostoppisti, sia ai libri e all'universo nel suo complesso, sia alla serie televisiva della BBC degli anni Settanta e ai primi videogiochi e alla grafica computerizzata rétro.

Cercavamo di trovare un linguaggio visivo che richiamasse gli anni '70 e '80, ma che fosse adatto a un pubblico piuttosto giovane e moderno, che non avrebbe necessariamente colto tutti i riferimenti a quegli anni. Insomma, come si possono usare elementi nuovi e contemporanei e reinterpretazioni moderne di quel periodo per renderlo comprensibile?

A: Quando hai iniziato, avevi già in mente l'atmosfera che volevi creare?

C: Sì, doveva trasmettere la sensazione di uno spazio buio e sconfinato. Per esempio, c’è un momento in cui Dave sale sulla piattaforma ed è circondato soltanto dalle stelle. Ma deve comunque mantenere una certa vena ironica, qualcosa che ci permetta di addentrarci in atmosfere cupe e suggestive, senza rinunciare a tanto divertimento.

F: E poter disseminare lo spettacolo di easter egg e riferimenti a vecchi album e spettacoli precedenti, inserendo qua e là dettagli che i fan sapranno cogliere.

A: I Glass Animals hanno una fanbase così fedele, quindi probabilmente cercate di coinvolgerla continuando al tempo stesso a proporre qualcosa di nuovo?

F: Sì, c’è una community su Reddit davvero molto affiatata che si è appassionata tantissimo a questo spettacolo. È sicuramente l’unico spettacolo in cui tutto ciò che metti sullo schermo viene, per così dire, analizzato nei minimi dettagli e il significato che vi si cela dietro viene assimilato.

A: Quale reazione finale volevi suscitare nel pubblico?

C: Si sono esibiti al Madison Square Garden e al Forum di Los Angeles, e poi all’O2 di Londra, quindi, da un punto di vista puramente logistico, sono stati gli spettacoli più grandi della carriera della band. Volevamo senz’altro lasciare il segno offrendo loro la migliore produzione mai avuta. Ma volevamo anche creare un’esperienza davvero immersiva e far sentire il pubblico trasportato altrove. I Glass Animals vogliono sempre costruire mondi: sono una band molto orientata alla dimensione concettuale. Credo quindi che volessero creare questo nuovo mondo e accompagnare il pubblico in uno strano viaggio nello spazio.

A: Come avete gestito la tensione tra l'ambizione e la necessità di rimanere realistici e pragmatici?

C: In un certo senso, devi semplicemente mettere tutto sul tavolo. Per esempio, l'intera struttura di illuminazione sospesa non è composta solo da luci montate su elementi metallici, come negli spettacoli tradizionali: è un grande elemento scenografico, un'enorme copertura geometrica. Ovviamente realizzarla costa molto, occupa parecchio spazio, richiede tempo e molte persone per il montaggio, ed è pesante. Ma se presenti l'idea nel modo giusto e fai capire che si tratta dell'elemento visivo fondamentale dello spettacolo, allora la band è disposta ad accettarla. Quindi bisogna assicurarsi di fare la migliore impressione possibile nel modo giusto e di spendere il denaro con criterio, mantenendo i piedi per terra.

F: Dal punto di vista video, sono probabilmente l’unica band – Dave in particolare – aperta praticamente a qualsiasi idea strampalata da cui la maggior parte delle persone scapperebbe. Puoi accennare a qualcosa come la rimozione dello sfondo nei video, uno strumento che usiamo per scontornare in tempo reale le persone dalle riprese delle telecamere e poter sostituire lo sfondo: non è qualcosa che si vorrebbe necessariamente usare in uno spettacolo, perché è ancora piuttosto sperimentale. Ma basta parlarne a Dave e, la volta successiva che lo senti, ne sa più di te, perché nel frattempo ha fatto ricerche, ha letto tutto ciò che poteva sull’argomento e torna con idee proprie basate su ciò che ha scoperto. Quindi, da questo punto di vista, è piuttosto liberatorio poter fare esperimenti quasi tecnici, oltre che creativi, e vedere cosa funziona e cosa no.

C: La band è estremamente competente dal punto di vista tecnico.

F: Gran parte dei contenuti video è controllata direttamente da loro, perché ogni strumento sul palco e ogni pulsante o colpo di grancassa genera note MIDI che controllano direttamente ciò che accade sullo schermo. Quindi, se smettessero di suonare, in alcuni casi i contenuti si fermerebbero, perché dipendiamo interamente da ciò che fanno sul palco per gestire i contenuti video riprodotti in tempo reale.

A: Lavorare in questo modo comporta un certo grado di rischio?

F: È sicuramente un modo di lavorare diverso, perché per alcuni tour ci limitavamo a consegnare 24 file e ogni brano aveva un'unica traccia, mentre questo spettacolo prevedeva 23 schermi diversi sul palco e ogni brano doveva essere suddiviso in varie parti. Quindi lo spettacolo è composto da ben 3.000 o 4.000 file video, che devono essere ricomposti con cura e attivati manualmente.

A: Quali sono state le principali difficoltà che hai incontrato lungo il percorso?

C: Intendo le difficoltà principali: il tempo e il denaro. I tempi erano piuttosto stretti. Dovevamo fare le prove nel Regno Unito e poi spedire tutto in America, quindi le tempistiche erano davvero ridotte all'osso, soprattutto considerando la quantità di elementi da realizzare materialmente: la scenografia è composta da molti elementi, tutti ricchi di dettagli; gli interruttori e le manopole sono veri e ogni cosa deve essere installata e costruita.

F: Abbiamo un team di 11 persone che si occupano dell’animazione e della realizzazione dello spettacolo, e una delle sfide principali di ogni produzione, in particolare di questa, è trovare un linguaggio visivo unitario che tutti comprendano e con cui tutti possano lavorare. In questo modo, alla fine sembra che lo spettacolo sia nato dalla mente di un’unica persona, anziché da quelle di 11 persone diverse. E per questo spettacolo in particolare è stato piuttosto difficile, perché nel nostro team c’erano persone molto giovani e altre molto più grandi, che avevano vissuto in prima persona gli anni Settanta e Ottanta. Queste ultime portavano con sé un certo insieme di riferimenti, riferimenti reali, mentre i più giovani proponevano una visione degli anni Ottanta quasi immaginaria. È stato interessante capire come combinare questi due patrimoni di conoscenze e farli confluire in uno solo, che alla fine è diventato una versione ricreata degli anni Settanta e Ottanta.

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